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22 feb 2013
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Pintor: Francesco Guardi
Título: “El palacio
de los Dogos”
Paisaje veneciano famoso
Técnica: Óleo sobre tela
Año de realización: 1770
Medidas: 56,5 X 74,3
cm
Arte y Pintura Clásica,
Paisajes y Cuadros famosos de Venecia
Esta obra hace parte
de los cuadros más famosos de la pintura universal
La obra se encuentra
en:
NATIONAL GALLERY, LONDRES
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El
palacio de los Dogos, Venecia ilustra la preocupación de Guardi por la
refracción de la luz en los edificios, las personas y el agua. Los detalles
arquitectónicos de los edificios aparecen aún claramente definidos, pero se
observa ya como un aire brumoso general. El agua del canal cabrillea y se
mueve; los gondoleros son diminutas manchas de color que reflejan la luz; los
edificios del fondo empiezan a desaparecer en la atmósfera. Toda la escena, las
casas lo mismo que las embarcaciones, parecen estremecerse como si sus
cimientos fuesen inmateriales. La Venecia de Guardi no es recortada y definida,
sino vaga y como de ensueño. La ciudad está retratada como "el material con que
se confeccionan los sueños", impalpable, inalcanzable casi, y, sin embargo, reconocible,
con líneas suaves y puntitos de luz que atraen la mirada. La pintura es una
visión fantástica y lírica de uno de los lugares más hermosos del mundo.
21 feb 2013
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Pintor: Caspar David Friedrich, FRIEDRICH
Título: “Hombre y
mujer contemplando la luna”
Técnica: Óleo sobre tela
Año de realización: 1819
enamorados Medidas: 34
X 44 cm
Paisajes a media
noche con
Arte y Pintura Clásica,
Paisajes y Cuadros famosos
Esta obra hace parte
de los cuadros más famosos de la pintura universal
La obra se encuentra
en:
NATIONAL GALLERY, LONDRES
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·
El
romanticismo de Friedrich llegó al extremo de que nunca firmó sus pinturas,
porque creía que un cuadro debía tener suficiente personalidad para que se le
pudiera reconocer por su técnica y por su ambiente, así como por su tema.
Hombre y mujer contemplando la luna es un hermoso ejemplo de su estilo poético,
soñador, y de su técnica y colorido suave, apagado. Dos figuras solitarias y
oscuras contemplan en silencio el valle, mientras permanecen medio ocultas,
como espectros, para observar la pálida luna en una atmósfera poética y
soñadora, realzada por la extraña forma de las ramas de un árbol.
17 feb 2013
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Pintor: Jean Baptiste Siméon Chardin, CHARDIN
Título: “La bendición”
Técnica: Óleo sobre tela
Año de realización: 1740
Medidas: 49 X 40 cm
Arte y Pintura del
renacimiento
Esta obra hace parte
de los cuadros más famosos de la pintura universal
La obra se encuentra
en:
MUSÉE DU LOUVRE,
PARÍS FRANCIA
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·
La
bendición reconstruye de manera creadora las formas de Vermeer, de Hooch y de Ter
Borch por medio de un ingenioso y sutil uso del modelado, del color y de la
luz, conseguido lentamente con delicadas pinceladas que forman una superficie
uniforme. En este cuadro existe una calidad ingenua, lo mismo que en todos los
interiores de Chardin; las personas aparecen naturales, como sin darse cuenta
de que están siendo pintadas. Estas obras poseen su propia clase de atmósfera,
que crea un ambiente tranquilo, y amable y que baña a los sujetos en una luz
suave y uniforme. En sus últimos años, Chardin volvió a la naturaleza muerta,
consiguiendo unidades de forma sólida y de color en condiciones atmosféricas
especiales. Estas formas, que a menudo tardaba días en preparar, se basan
primariamente en las obras de los venecianos, de Velázquez y de los pintores
holandeses especializados en naturalezas muertas y en escenas costumbristas.
Enlace relacionado:
Cuadros famosos
Enlace relacionado:
Cuadros famosos
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Pintor: Jean Honoré Fragonard
Título: “Le billet
doux, La carta de amor”
Técnica: Óleo sobre tela
Año de realización: 1776
Medidas: 83 X 67 cm
Arte y Pintura del
renacimiento
Esta obra hace parte
de los cuadros más famosos de la pintura universal
La obra se encuentra
en:
METROPOLITAN MUSEUM
OF ART, NUEVA YORK, USA
Jules S. Bache
Collection, 1949
|
En
Le billet doux, la joven, el perro, el cortinaje y la luz sorprendente que
penetra por la ventana y que lo transforma todo, forman una unidad púdica en la
que la superficie posee una especie de belleza lírica. Se trata de un lirismo
que no depende ni del pensamiento ni de la emoción. Provoca la satisfacción
visual, sin demasiadas complicaciones.
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Pintor: Jean Greuze, GREUZE
Título: “La jarra
rota”
Técnica: Óleo sobre tela
Año de realización: 1780
Medidas: 108 X 86 cm
Arte y Pintura del
renacimiento
Esta obra hace parte
de los cuadros más famosos de la pintura universal
La obra se encuentra
en:
MUSÉE DU LOUVRE, PARÍS
|
· En
La jarra rota, el vestido blanco y las flores que la joven sostiene tan próximas
al cuerpo, podrían simbolizar las bendiciones de la virginidad. Sin embargo, la
muchacha no ha creído oportuno ocultar su garganta y sus hombros adorables. Su blanco
delantal puede estar lleno de flores, pero la jarra rota no contendrá agua.
Recíprocamente, al haber roto la jarra experimenta algún desconcierto, pero
esto queda compensado ampliamente por la voluptuosidad que experimenta hacia
las flores.
16 feb 2013
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El Retrato de Master Hare muestra a la hija
menor de uno de los clientes del pintor.
La niña, vestida de blanco y con una amplia faja azul, es la viva imagen
de la salud y lozanía de la infancia. Reynolds culmina su retrato al ofrecemos
el ademán definidor de la mano de la niña.
Pintor: Joshua Reynolds, REYNOLDS
Título: “Retrato de
Master Hare”
Técnica: Óleo sobre tela
Año de realización: 1780
Medidas: 76 X 62 cm
Arte y Pintura Clasica,
Retratos y Cuadros famosos
Esta obra hace parte
de los cuadros más famosos de la pintura universal
La obra se encuentra
en:
MUSÉE DU LOUVRE,
PARÍS FRANCIA
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Jean Vermeer, VERMEER
Título: Muchacha con
un jarro de agua, (hacia 1663)
METROPOLITAN MUSEUM
OF ART, NUEVA YORK
Donativo de Henry G.
Marquand, 1889
Técnica: Óleo sobre
tela, 45,7 X 40,6 cm
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·
Muchacha
con un jarro de agtla) realizado hacia 1663, es de lo mejor de Vermeer, y un ejemplo
sorprendente de la paradoja que encierra casi toda su obra. Verdadero pintor holandés,
Vermeer enfatizó las formas externas, el cañamazo de la vida.temporal, con una
fidelidad de composición y una sólida tranquilidad de emociones. Además, su
obra floreció durante la época de Descartes, de Leibniz y de Newton, una época de
raciocinio y de ecuanimidad. Pero, al mismo tiempo, sus obras tienen una
cualidad extrañamente transfigurada que casi desmiente su indiferencia a
cualquier intención mística. Vermeer fue, posiblemente, el primer pintor que ha
utilizado una técnica verdaderamente de plein-air, captando la luz diurna como
fuente de iluminación.
Pero el resplandor que penetra por la ventana
escarchada de Muchacha con un jarro de agua crea una poesía ultraterrena,
favorecida por la actitud de la figura y por el detalle, casi artificialmente
neto, de los objetos. Parece seguro que Vermeer utilizó una cámara oscura,
artilugio corriente en la época, para ayudarse en la composición y perspectiva.
La imagen reflejada en la parte posterior de la cámara aclaraba los problemas visuales
complejos alojo desnudo. Posiblemente, el uso de la cámara oscura fue una de
las causas de la calidad formal y cautivadora de las composiciones de Vermeer.
Sin embargo, su especial equilibrio es
inconfundiblemente holandés, e incluso está claramente vinculado con la
austeridad abstracta de Piet Mondrian, en el siglo xx.
15 feb 2013
· En
Muchachos comiendo melón y uvas podemos ver que Murillo sentía una simpatía
profunda por esos pobres callejeros, así como una comprensión de la vida que le
permitía representar convincentemente a esos pordioseros. Vemos a los niños en
relación con su magro festín, y, al mismo tiempo, les vemos en sus relaciones mutuas.
Esta escena auténtica y el vivo interés de la tela todavía tienen el poder de agradar,
pese a que el gusto moderno tal vez pueda considerar a los harrapiezos de Murillo
como demasiado idealizados.
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Pintor: Bartolomé Esteban Murillo, MURILLO
Título: “Muchachos
comiendo melón y uvas”
Técnica: Óleo sobre tela
Año de realización: 1645-1646
Medidas: 146 X 104 cm
Arte y Pintura del
renacimiento
Esta obra hace parte
de los cuadros más famosos de la pintura universal
La obra se encuentra
en:
ALTE PINAKOTHEK,
MUNICH
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· El
flautista del pueblo, atribuido a Antoine, es uno de esos cuadros, en el que se
demuestra el talento de los hermanos como retratistas y como pintores de
escenas costumbristas. Como este estilo describe a gente vulgar y objetos de la
vida cotidiana, aquí hay una de estas situaciones típicas. Cada niño del cuadro
es una individualidad específica con una reacción específica: orgullo en el
caso del flautista, y sorpresa, curiosidad, inocencia, e incluso temor en los
rostros de los demás niños.
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Pintor: Bartolomé Esteban Murillo, MURILLO
Título: “El flautista
del pueblo”
Técnica: Óleo sobre tela
Año de realización: 1644
Medidas: 21,6 X 28-30
cm
Arte y Pintura del
renacimiento
Esta obra hace parte
de los cuadros más famosos de la pintura universal
La obra se encuentra
en:
MUSEUM OF ART,
DETROIT USA
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En
San José Carpintero, los personajes están descritos como gente ordinaria. El
carpintero realiza inconscientemente su labor sencilla, en silencio y con
cierta devoción. La presencia divina se percibe en esta atmósfera mística de silenciosa
dedicación. El Cristo Niño levanta la vela y al hacerla fija e ilumina a José, cuya
vida sencilla recibe de la vela su sustancia. Para La Tour, una presentación
compleja de sus temas religiosos era innecesaria, puesto que su visión estaba
centrada en un símbolo único. Gracias a ese símbolo, la gente vulgar se vuelve
extraordinaria. Es devuelta a la vida por el espíritu.
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Pintor: Georges de La Tour, LA TOUR
Título: “San José
Carpintero”
Técnica: Óleo sobre tela
Año de realización: 1640-1645
Medidas: 137 X 102 cm
Arte y Pintura del
renacimiento
Esta obra hace parte
de los cuadros más famosos de la pintura universal
La obra se encuentra
en:
MUSÉE DU LOUVRE,
PARÍS FRANCIA
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14 feb 2013
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Pintor: Nicolás Poussin, POUSSIN
Título: “Los pastores
de la Arcadia”
Técnica: Óleo sobre tela
Año de realización: 1637 -1638
Medidas: 87 X 120 cm
Arte y Pintura del
renacimiento
Esta obra hace parte
de los cuadros más famosos de la pintura universal
La obra se encuentra
en:
MUSÉE DU LOUVRE,
PARÍS FRANCIA
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·
El
in Arcadia Ego es una obra perfectamente equilibrada, en la que cuatro figuras
antiguas, dibujadas con precisión, se agrupan en torno a un monumento antiguo.
La escena está bañada por una luz dorada. Representa la Arcadia, tierra de
felicidad y de inocencia, frecuentemente descrita por los poetas griegos. La
filosofía moral es muy evidente: la felicidad reside en un regreso a la
naturaleza y a la vida sencilla de los pastores. Así lo expresan los rostros graves,
el tranquilo paisaje y la túnica carmesí situada junto a la toga amarilla. El
cuadro de Poussin no es una descripción estereotipada de una antigua manera de
vivir, sino una comprensión de los valores de esa vida en todas las épocas.
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